香港二樓書店 > 必學！好設計的造型元素：美國視覺設計學校，這樣教！不只學造型元素的黃金定律，更要破解創意犯規

導讀

　　什麼是平面設計？ WHAT IS GRAPHIC DESIGN?

　　「要理解設計的含義就要理解元素的造型與內容的傳達，並且要認識到設計也是註解，是主張，是觀點和社會責任感。設計不僅僅是組合、排列和編輯；要提升價值和意義，要闡明，要簡化，要澄清，要修改，要突出，要改編，要說服，甚至可能要去取悅。

　　設計既是一個動詞，也是一個名詞；是開始，也是結束；是想像的過程，也是想像的產物。」

　　——保羅•蘭德（Paul Rand），平面設計師；《設計、造型和混亂》（Design, Form and Chaos），耶魯大學出版社，1993年

　　設計師用圖像、符號、字體、色彩和其他素材，透過印刷品或螢幕表達要傳遞的思想，並將它們整合成一致的資訊，讓特定族群產生共鳴。

　　儘管平面設計或多或少受到字體字樣或圖書製作的限制，但從中世紀直到18世紀晚期、19世紀早期的工業革命，平面設計逐漸拓展至廣告、期刊、標識系統和海報等領域，並且以一種適應消費者市場的新面貌出現。「平面設計」這個詞本身出現得較晚（它的出現應歸功於美國插畫家和圖書設計師威金斯〔W. A. Dwiggins〕，他在1922年第一次用這個詞來描述他的活動）。直到1920年代，平面設計才成為一門獨立的學科，而這個詞也在二戰後獲得廣泛的運用。

　　相較於視覺藝術的其他學科，平面設計的意圖主要由委託人來界定，它是源自公司或其他組織的付費服務，而非源自設計師本人。在歷史上，藝術創作一般因贊助委託而發生，直到1830年代，才出現將把波希米亞畫家視為「自我表達者」（express of self）的意識，繼而出現美術和商業藝術的分界。設計師出於哲學或戰略的原因鼓勵這種分界，尤其當他們開始為設計專業尋求認同感時，因為分界可以為其增加極大的價值。

　　自從平面設計師被吹捧為「視覺戰略家」或「文化仲裁者」的50多年時間裡，即從1970年代中期開始，平面設計師作為「作者」，巧妙地對渴望品牌的公眾進行視覺「控制」，不僅確立了合作的底線，而且打造了更為廣大的後現代視覺語言環境。這一切對平面設計有著重要的影響……但是為了避免我們忘記設計師真正的簡單本質，讓我們先回到平面設計師是做什麼這件事上頭：平面設計師吸收言語概念後，再賦予它們造型。

　　「賦予造型」（giving form）是一門學問，設計師在面臨五花八門的新項目時，需要用直覺來整合大量知識和技巧，並以多種方式進行創造性應用。

　　設計師必須瞭解符號學（semotics），瞭解知覺的過程和關係，以及透過視覺和書面材料對含義進行詮釋。設計師必須具有面對大量訊息的專業知識——包括指導性戰略、數據表現、易讀性和適用性、認知次序以及層次問題——繼而擴展至字體編排、字體設計以及閱讀。設計需要熟練掌握圖像製作——形狀、顏色和紋理（texture）如何在引起強烈情感共鳴的同時又能傳遞創意、贏得美感和獲得更深層次的概念。

　　再者，設計師必須熟悉心理學和歷史知識，二者都與文化敘事、象徵主義和儀式化的經驗、商業化和消費者共鳴（即行銷）有關。最後，設計師必須具備多方面才能，更重要的是對各種各樣的技術有深入瞭解，因為這些技術在實踐設計方案的過程中極為必要，包括印刷媒介技術、底片和影片、數位設計、工業程序以及建築加工等。

　　但平面設計要比組成平面設計的各方面重要，它們共同確立了有形或無形的經驗整體。設計師要負責提升觀眾對訊息的體驗，使之超越字面的平凡傳遞和肉眼下的自我感受。並且，美是一種作用，是有關任何視覺訊息的作用。正如散文可以寫得很無趣，也可以寫得很率真，或者編排漂亮，或者感情奔放一樣，一件具有功利意義的物品也可以設計得超乎尋常。

　　「假如作用對於理解力是重要的，」令人尊敬的瑞士設計師威利•孔茲（Willi Kunz）在其所著圖書《字體編排：大小美學》（Typography:Macro- and Micro-Aesthetics）寫道：「那麼造型對於情感也是重要的……我們的日常生活會因環境而變得或豐富或乏味。」

　　本書重點在於談論平面設計視覺的相關知識，並且不遺餘力地闡明它們與所要傳達資訊的關聯性。這是一本指南手冊，有助於讀者活學活用，創作出有力量的設計作品，也有助於讀者提高效率和技巧，以良好的創造力面對諸多挑戰。